Dan Ben Lior, nacido en 1980, en la ciudad de Rishon Le Zion, Israel, es un afamado compositor y guitarrista que ha trabajado con artistas internacionales de primer nivel como Enrique Morente, Diego el Cigala, Luis Salinas, Rubén Dantas, Diego del Morao, Estrella Morente o Jerry González, entre otros.
En su educación secundaria se especializó en música, formalizando sus estudios de Conservatorio en Amsterdam. Durante este periodo, viajó, entre otros lugares a Austria, Brasil y España, para enriquecer sus conocimientos y sus experiencias, siempre en relación al ámbito artístico y musical.
Con sólo 19 años, fue invitado a participar con su proyecto ‘Po’ en el Festival de Jazz del Mar Rojo. Convirtiéndose en el artista más joven de Israel, hasta la fecha, en formar parte del evento con un proyecto propio.
En 1996 fundó, junto a su hermano, una escuela de música en su ciudad natal, donde durante tres años formó al mejor talento del lugar.
En sus composiciones ha desarrollado un estilo único y reconocible abarcando un amplio espectro que va desde el jazz, al clásico contemporáneo, pasando por el flamenco.
Dan Ben Lior ha tocado exitosamente en seis continentes, y en las principales ciudades del mundo, entre las que se encuentran: Buenos Aires, Barcelona, Tel Aviv, Madrid, Sidney, Ciudad de México, Amsterdam, Río de Janeiro, Haití o Nueva York.
Mención especial a sus actuaciones junto a Diego El Cigala en el Carnegie Hall de Nueva York, el Hollywood Bowl, el Teatro Nacional de Ciudad de México, el SF Jazz Center en San Francisco, Walt Disney Concert Hall de Los Ángeles, el Teatro Nacional Rubén Darío en Managua, el Berklee Performance Center, el Teatro Ristori de Verona, el Berliner Philharmonie, Circo Prize en Madrid, el Teatro Grec Barcelona o el Palais Montcalm en Quebec.
Ha participado como arreglista guitarrista y productor musical en diferentes proyectos discográficos y directos internacionales, como el directo acústico de la gira de Mosh Ben Ari (conocido cantante pop israelí ) en 2012 y 2017.
Entre los más recientes se encuentra Im-Port, un encuentro mensual de músicos de jazz y bailarines de danza contemporánea en Tel Aviv, dirigido por su hermana la coreógrafa Michal Ben Lior y que lleva en activo más de 4 años.
En 2019, produjo 4 temas para el último trabajo de la artista israelí Yasmin Levi. Y junto a Shai Bachar ha producido una canción para el cantante ladino más celebrado de Israel Yehoram Gaon en una colaboración de músicos españoles e Israelis en 2020.
Colaboró con Estrella Morente en su espectáculo en la Alhambra en el festival de las 3 culturas en Julio de 2020 .
Ha publicado dos trabajos discográficos propios: Playas Metafísicas del Sacromonte en 2011 y Mataratas en 2017. También ha publicado las grabaciones de seis de sus temas para vídeos musicales de televisión en Tele 5, 2020 y 2021.
La Canalla es vanguardia y tradición, ternura y pasión, alegría y descaro… un singular encuentro de jazz y música popular de aire cosmopolita y espíritu flamenco, llevado al escenario de una manera única, libre, fresca y cautivadora, donde el humor y la ironía sirven de instrumento para contar cosas muy serias.
Difícil definir a este grupo gaditano exactamente iguales a nadie. Auténticos alquimistas que trasmutan, sin transmutarse, lo exquisito en popular, lo popular en exquisito, en una incesante construcción de su cancionero urbano de copla contemporánea, una continua relectura de la copla y el folclore popular tamizado por un formato musical puramente jazzístico que coquetea con las tradiciones musicales más variopintas, para avistar la copla, el mediterráneo en todas sus costas, el bolero, parando a descansar en la bossa, tropezando con el tango y cayendo en el blues o lo que sea.
Después de su maravillosa opera prima ‘Flores y Malas Hierbas’ (2010) y del espiritualmente polifónico ‘El Bar Nuestro de Cada Día’ (2013), publican en 2017 ‘Amor en Crisis’ (La Mar Sonora, Feb 2017), un canto al amor en tiempos de crisis, nuevas crónicas costumbristas de baja alcurnia que tienen como protagonistas a gente excepcionalmente común, con el que vuelve a cosechar unas excelentes críticas de prensa y público.
Con más de un centenar de conciertos a sus espaldas, han recorrido escenarios de España, latino américa y Estados Unidos, participando en eventos como el Festival de Jazz de Canarias, SXSW de Austín (USA), Nocturama Sevilla, Festival Madrid Presenta, Jazz Vejer Festival de la Guitarra de
Barcelona, , Jazz y Más Huelva, Encuentro Internacional de Quito (Ecuador) o el Spanish Caravan
Music Festival de Chicago (USA) entre otros muchos.
La Canalla tiene nuevo disco, ‘Amor en Crisis’ , un canto al amor en tiempos de crisis. Historias de amor y desamor contadas de tal manera que hace que frases ya gastadas como «te quiero», vuelvan a tener sentido.
Otra vuelta de tuerca a su cancionero urbano de copla contemporánea, nuevas crónicas costumbristas de baja alcurnia que tienen como protagonistas a gente excepcionalmente común.
Un trabajo repleto de retratos de amor en plena crisis (y no solo económica), de sincera, tierna y, por que no, alegre crudeza. Relatos de esos que cuentan historias de aquellos que se cuelan dentro en ese universo único que sólo ellos saben recrear desde la cotidianidad. Para vestir sus historias, y arropados de su singular esencia jazzística, vuelven a conectar su alma coplera con otros ritmos populares lejanos solo en la distancia, como el corrido mexicano, una samba de choro o el bolero de inspiración ‘luthierana’, además de rendir homenaje a grandes como Carosone o Chico Buarque. Y en esta nueva aventura no están solos, han contado con ilustres amigos, como Silvia Pérez Cruz y su irresistible canto de Sirenas, Raúl Rodríguez con su punzante Tres Flamenco que pellizca esa Diosa de la Opulencia y los Antílopez que dan replica con su onírica alegría al homónimo Amor en Crisis, metáfora canalla de la bancarrota espiritual de nuestros tiempos.
Jaume Llombart y Enrique Oliver son dos destacados músicos que cuentan ya con una larga trayectoria en la que han compartido escenarios con iconos del jazz como Al Foster, Mark Turner, Doug Weiss, Jorge Rossy, Chris Cheek, Roger Mas o Santi de la Rubia entre otros.
Llombart y Oliver trasladan en este dúo todas sus experiencias y complicidades convirtiendo su música en un diálogo sincero, lleno de belleza confirmando que estamos ante uno de los dúos de referencia en nuestro país.
Durante sus 10 años de trayectoria como dúo han recorrido el país en los principales clubs y festivales , así como su participación en 2 ocasiones en el Festival Internacional de Birmingham y una residencia de 2 meses en Café Brahma en Nueva York.
En 2020 acaban de sacar al mercado su tercer trabajo discográfico “Everything I love”, editado por el sello Barcelonés Underpool. En “Everything I love” han centrado su repertorio en el songbook americano, especialmente en las melodías de una de las parejas más prolíficas de la historia del jazz, Duke Ellington y Billy
Strayhorn. Escuchando la música de Jaume Llombart y Enrique Oliver se aprecia un lenguaje propio que mira adelante, que respetando la tradición traslada al presente un repertorio que se ha convertido en clásico.
Everything I love cuenta con la colaboración del trompetista barcelonés Félix Rossy que añade su talento al diálogo de este maravilloso dúo en los temas If Every Love Me Tender.
Enrique Oliver nace en Málaga en 1985. Comienza a estudiar saxo a los ocho años. Desde muy pronto se interesa por el jazz y comienza a sumergirse en el mundo de la improvisación, recibiendo clases, asistiendo a seminarios y estudiando a los grandes maestros del tenor que le apasionan como Sonny Rollins, John Coltrane y Coleman Hawkins. En 2005 después de acabar sus estudios en el conservatorio, se muda a Barcelona donde enseguida pasa a formar parte activa de la escena, trabajando asiduamente en locales y festivales con músicos como Albert Sanz, Jorge Rossy, Felix Rossy, Jaume Llombart, Albert Bover y Joan Chamorro entre otros.
Ha colaborado en más de 30 discos como sideman entre los que se podrían destacar “WiCCA” de Jorge Rossy, “Voces”, de Perico Sambeat, “Mason”, de Roger Mas “UNO” de Ernesto Aurignac, “EL Camino”, de Jose Carra y “Lua Amarela”, de Joan Chamorro y Rita Payés.
Como líder debutó grabando “Introducing Enrique Oliver quintet” con composiciones propias. También colidera la banda “Wild Bunch” con la que ha grabado dos discos “Sexy drugs” y “Wild Bunch” Y el duo Llombart & Oliver junto a Jaume Llombart con el que han realizado más de 100 conciertos en los últimos 10 años autoeditando 2 discos. En 2019 lanzó su segundo album como lider «Incerteza» para el sello Blue Asteroid
Ha actuado en los festivales de jazz más importantes de España (Barcelona, San Sebastián, Getxo, Madrid, Valencia, Sevilla, Málaga, Granada, etc) Así como en festivales y ciclos en el resto de Europa (Alemania, Suiza, Bélgica, Holanda, Inglaterra, Dinamarca, Finlandia, etc.) y en Estados Unidos, Sudamerica y África del Norte.
En el 2018 fue seleccionado para formar parte del programa internacional Focusyear en Basel, Suiza, contando con coachers como Joshua Redman, Kurt Rosenwinkel, Mark Turner, Wolfgang Muthspiel, Guillermo Klein o Dave Holland entre otros.
Actualmente reside en Málaga donde compagina su agenda de conciertos con la enseñanza.
Nacido en Igualada en 1980, Jaume Llombart estudió el grado profesional de guitarra clásica y posteriormente se trasladó a Barcelona para estudiar el grado superior de jazz en la Escuela Superior de Música de Cataluña (ESMUC) con Maarten van der Grintten, Jose Luis Gámez y Dani Pérez. En 2006 se graduó con el proyecto Jazzfrika Septeto, composiciones propias con fusión de jazz y música africana,donde contó con la participación de una joven Sílvia Pérez Cruz. En este proyecto colaboró un grupo de danza africana, donde a partir de la obra se crearon coreografías inéditas. Su inquietud por adquirir nuevos lenguajes le llevó a ser colaborador del
ensemble BCN216, aclamado ensemble de música de nueva creación.
Interesado en la fusión del jazz y el flamenco, forma parte del cuarteto del Marc Miralta, colabora con Carlos Cortés y toca con Guillermo McGuill el Festival de Jazz de Barcelona. Su eclecticidad le lleva a grabar en estudio el álbum de Sole Giménez Bajo el cielo de París con Warner Music y crear sinergias con el mundo de la danza a través de la compañía de Juliette Louste (coreógrafa y bailarina) yen 2019 con Meg Stuart, coreógrafa de referencia mundial, en el Tanzkongress de Dresde. Ha tocado con la Big Band del Ernesto Aurignac, de Toni Vaquer, de Classijazz y Joe Smith, esta última, denominada Asociación Libre Orkesta, basada en la improvisación dirigida y con sede en Robadors 23. Desde 2006 hasta la actualidad, ha tenido la oportunidad de tocar en los principales festivales y clubes de jazz de toda Europa con un abanico muy amplio de versatilidad de artistas, muchos de ellos referentes en la escena nacional e internacional.
Artista imprescindible en la última década, con media decena de trabajos discográficos publicados, varios premios de la música, giras internacionales, ha sido capaz de crear un lenguaje propio trenzado desde el jazz para buscar, escarbar y jugar en diversos estilos –del fado, al tango, al jazz, el swing, la música cubana o la copla, pero siempre con un sonido y un personalidad única e irrepetible. En este concierto hace un repaso a gran parte de su enorme y más conocido repertorio y que en gran medida forman parte de su nuevo trabajo disco ‘Zenetianos’.
Zenet ‘En concierto’ / Ficha Artística
Antonio Mellado, más conocido como Zenet, es una artista malagueño que comenzó a trabajar en su propio proyecto en solitario en el año 2008 rodeándose de grandes músicos como Manuel Machado, Pepe Rivero o José Taboada, entre otros. Su primer trabajo en solitario fue “Los Mares de China”, disco con alma de clásico que nos descubrió a Zenet como artista (Premio de la Música al Artista Revelación en 2009), lo situó en el mapa gracias a temas como “Soñar Contigo” o “Estela” y que se presenta como una mezcla de músicas como el bolero, la música brasileña o el jazz de Nueva York.
Su siguiente trabajo “Todas las calles” (Premio de la Musica al Mejor Álbum de Fusión 2011) parte al igual que el anterior con una vocación de clásico, pero con un carácter más alegre en el que encontramos estilos como el swing, la habanera o la milonga. Después de este trabajo, publica “La menor explicación”, un disco que como indica el propio Zenet es «Quizas nuestro disco más maduro musicalmente hablando” y que destaca al igual que los anteriores por su mezcla de estilos. Posteriormente publica otro trabajo titulado “Si Sucede, Conviene”, un disco lleno de energía “de miradas a futuro” que destaca por ritmos latinos más alegres y bailables.
En 2019 publica “La Guapería”, donde presenta canciones ya interpretadas por artistas como Bola de Nieve, Olga Guillot o Celeste Mendoza. Por este disco recibió el Premio Internaiconal Cubadisco 2019. Además de estos trabajos, Zenet ha publicado un recopilatorio bajo el nombre de ‘Soñar Contigo’ en el que hace un repaso de su carrera desde 2008 a 2018.
Como artista multidisciplinar, Zenet recorre una carrera paralela como actor y, recientemente, hemos podido verle interpretando a un cantante y pianista de un bar de la mafia en “Hache”, serie de Netflix ambientada en la Barcelona de los años sesenta.
El compositor y pianista Jose Carra es uno de los pianistas más creativos de la nueva generación de músicos de jazz españoles. Su música, fuertemente influenciada por la música clásica y el jazz, hace referencia a muchos otros estilos como el rock, el pop, la electrónica o la música popular. La poesía también juega un papel fundamental en su música, creando un universo totalmente personal y reconocible.
2018 es el año de lanzamiento del último trabajo de Jose Carra Trío. Un disco titulado Diario de vuelo con temas originales de Carra, grabado junto a Bori Albero (contrabajo) y Dani Domínguez (batería). Tras el éxito del último disco del trío (Verso), esta vez se sumergen en un sonido más experimental, con melodías minimalistas y una base rítmica cercana a la electrónica y al rock. Ese año son seleccionados por la Fundación SGAE para representar a España en el JazzEñe 2018. Además son uno de los cinco grupos elegidos por la Asociación de Intérpretes y Ejecutantes para realizar la gira AIE Jazz en Ruta durante 2019. “Niño Árbol”, incluido en Diario de Vuelo fue seleccionada como Track of the day por la prestigiosa revista “All About Jazz”. Jose Carra reivindica a través de su música la figura del compositor-intérprete-improvisador que hasta el siglo XIX no fue separada. Carra despliega sobre el piano todo su potencial. Su concierto a piano solo es una experiencia única en la que el espectador se sumerge en su mundo sonoro personal formado por composiciones originales, reinterpretaciones de músicas de todos los géneros e improvisaciones.
Etiquetar la música de Jose Carra es prácticamente un desafío. Carra se mueve ágil a través de la música clásica, el romanticismo, el jazz y la música popular mediante la improvisación y sus propias composiciones. La creatividad del músico malagueño no tiene límite. Jose Carra es hoy día uno de los músicos más versátiles y creativos de la nueva generación de músicos de jazz españoles. Con cinco discos cómo líder, el último, Santuario, es su primer disco a piano solo, uno de los trabajos más personales, oscuros y reflexivos del compositor.
En su anterior disco a trío “Verso”, ya queda plasmado este universo lírico en el que se dibujan muchos paisajes, desde la energía del rock hasta el lirismo de la música clásica minimalista. Este nuevo trabajo que ya ha sido presentado en Festivales y clubes de jazz de toda España (Barcelona, Girona, Valencia, Almería, Córdoba, Málaga, Granada, etc.) ha contado con la colaboración de Jaume Llombart a la guitarra,
Bori Albero al contrabajo y Dani Domínguez a la batería. Además de la aparición en varios temas de un cuarteto de cuerda y de la voz de la poeta Almudena Vega. Fueron nominados a los Premios MIN de la Música Independiente como mejor Álbum de Jazz de 2017.
En 2014 se publicó “El Camino”. Jose Carra graba junto a la cantante Beatriz Pessoa, el saxofonista Enrique Oliver, el contrabajista Romeu Tristao, el batería Joao Lopes Pereira y el percusionista Carlos Cortés. Ocho composiciones originales conforman este disco co-producido por el ingeniero de sonido Antonio Romero bajo el sello Romero Music. Destacado como uno de los mejores discos de 2015 por la revista Distrito Jazz. Entre 2010 y 2013, Carra ha tocado a trío con el contrabajista Dee Jay Foster y el batería Ramon Prats en importantes Festivales y clubes por toda España (Girona, Madrid, Bilbao, Barcelona, Alicante, Albacete, Sevilla, Málaga, Almería, Granada, etc.) y en el Festival Internacional de Jazz de Barquisimeto (Venezuela) además de colaborar con las cantantes americanas Roberta Gambarini y Deborah Carter en varias ocasiones. En octubre de 2012 aparece el primer disco del trío titulado “Ewig” con el cual realizan múltiples conciertos durante 2012 y 2013.
Además de estos proyectos como líder, Jose ha tocado y grabado con músicos de jazz de gran prestigio como Sheila Jordan, Eric Alexander, Chris Cheek, Stanley Jordan, Perico Sambeat, Javier Colina, Roberta Gambarini y del mundo del flamenco como Miguel Poveda, la cantaora Argentina, Jorge Pardo o Carles Benavent. Ha trabajado con algunos de los mejores sellos discográficos como Sony Music, Blanco y Negro Music o Fresh Sound Records. En 2011, junto a otros músicos de Málaga, crea la Asociación de Jazz de Málaga, gracias a la cual el Jazz en esta ciudad ha vivido un renacimiento y ha ayudado a otras ciudades españolas a organizarse e impulsar el jazz nacional. Ha impartido clases de composición e improvisación en numerosos conservatorios de música de Andalucía.
Además de sus proyectos a trío y solo, como compositor ha realizado música para cine y teatro, así como composiciones y arreglos para diferentes orquesta sinfónicas y grupos de cámara, incluyendo la composición de la banda sonora “Coleccionista” Premio del Festival de Cine Fantástico de la UMA, el arreglo y orquestación de “Huelva suena diferente” del disco de la cantaora flamenca Argentina (Sony Music Spain), arreglos para Big Band para “Caótico” de José Quevedo Bolita premiado con el Giraldillo de la Bienal de Flamenco de Sevilla, arreglos para el disco de Miguel Poveda “El tiempo pasa volando” y orquestaciones para el disco de los Chicos del Coro de Saint Marc “Sing The Beatles” (Blanco y Negro Music).
¡Vuelve el CMS trío! Su receta mágica de jazz, estándares latinos y músicas de raíces populares sigue más viva que nunca después de años pisando los escenarios de todo el mundo.
Un directo con temas propios y clásicos estándares de jazz a ritmos y colores africanos, colombianos e incluso flamencos; baladas con aire de danzón cubano; calipsos…
¡Música popular y accesible para todos los públicos!
CMS quince años! Tras tres lustros de andadura musical, parecería que poco se puede contar que no sepamos ya de estos tres enormes intérpretes, aunque su sabiduría musical se nos antoje ilimitada y su capacidad de sorprender al oyente, infinita. Tener el privilegio de verlos y oírlos en directo se asemeja al placer de saborear el extraordinario menú degustación de un tres estrellas: alta música de autor basada en la tradición más genuina, marca de la casa. Un recorrido “gastronómico” por las raíces musicales que cada uno de ellos ha cultivado a lo largo de su dilatada carrera musical. Los chefs Javier Colina, Marc Miralta y Perico Sambeat, lo mismo te sirven un danzón que una bulería, una media rumba que un boogaloo, una soleá que un calipso, y lo presentan con suma exquisitez y sutileza, con esa riqueza de matices y una gama de timbres casi imposible en un trío. Con todo ello aderezan cada una de sus interpretaciones cargadas de espontaneidad, fuerza y sensibilidad. Su música se convierte en una explosión de sensaciones que han quedado perfectamente reflejadas en su cuarto disco, CMS quince años, grabado como no en directo, para poder saborearlos con mayor autenticidad.
Escapar de una realidad amarga es uno de milagros que el flamenco nos brinda. En un 2021 lleno de incertidumbre, pero también de esperanza, Diego Guerrero vuelve a los escenarios con Presente, un nuevo espectáculo el que el artista y sus composiciones nos guían en un viaje por diversas realidades que se
forman a partir de una realidad universal y neutra.
De la soledad forzada que estamos padeciendo están naciendo gritos que claman por la presencia física del prójimo. Y cuando el ser humano tiene que expresar algo tan vital y necesario, siempre recurre a su forma de expresión más pura y elemental: la lengua de su infancia. Es por esto por lo que no podía ser otro que el flamenco, el vehículo que transmite estas historias que declaran la presencia como única opción posible en una existencia que no extinga, no a la Humanidad como especie, sino la humanidad que vive dentro de cada persona.
Y con este prisma de múltiples ópticas, Guerrero invoca las “milenarias penas” del pueblo andaluz en Horcas y Cuchillos, la irreverencia del eterno amor adolescente en Vengo pa Quedarme, la visión apocalíptica de un presente en decadencia en Por la Tangente, o la eterna nostalgia del “cualquier tiempo pasado fue mejor” en El Reloj de Arena. Zambras, romances, fandangos, bulerías y tangos que contienen realidades desgarradoramente humanas, todas con un leitmotiv común: sin la presencia del otro, el uno no es nada.
Diego Guerrero es un creador atípico. Siendo sobradamente capaz de abordar distintos géneros de una forma comprometida y honesta, en la esencia de su lenguaje encontramos un poso profundamente flamenco, estudiado a la par que vivido durante su infancia y adolescencia en Huelva. Fue por entonces, con su amigo y maestro El Niño Miguel, cuando aprendió que una orquesta sinfónica bien podía esconderse dentro de
una guitarra. Y no pasó mucho tiempo antes de que Diego le diese la vuelta a la tortilla ycombinase su experiencia en el mundo del flamenco con sus conocimientos musicales para arreglar y dirigir la primera Flamenco Big Band, allá por el 2004, en la que los mejores músicos de la escena nacional e internacional se aplicaban en hacer sonar los arreglos que aquel muchachito casi imberbe que escribía para ellos. Y desde entonces Diego no ha parado de abrir caminos.
Las distintas vivencias musicales han seguido sucediéndose, dando lugar a un músico completo, capaz de aportar tanto a la renovación del flamenco como a su perpetuación. Además, Guerrero ha demostrado ser uno de sus mejores embajadores fuera de nuestras fronteras, trasladando su lenguaje e idiosincrasia a otros estilos, y creando puentes para recibir elementos de otros jardines musicales, sin consentir nunca que se pierda un ápice de autenticidad y mostrando una capacidad poco común para entender la esencia misma de cada cultura musical. Esto le ha convertido en todo un referente, no sólo entre las nuevas generaciones, sino también entre los músicos y artistas más consagrados.
La nominación al Latin Grammy como Mejor Álbum de Música Flamenca de su primer disco, Vengo Caminando, es un buen ejemplo de ello. La arrolladora entrada de este álbum en el mercado supuso una revolución tan inesperada como abrumadora. Este caluroso recibimiento por parte de público y profesionales se tradujo en más de 80 representaciones en España, y en la posterior gira internacional, que arrancó en Estados Unidos y desembocó en Cuba y México. Pero la carrera de Diego no comenzó aquí, y a pesar de lo sorprendente que este reconocimiento pueda resultar, más aún en un lanzamiento que carecía de respaldo discográfico, no deja de ser más que la unta del iceberg, en una biografía musical repleta de pequeños y grandes logros.
